“Renfield: Asistente de vampiro”
Una reversión del asistente de Drácula: “Renfield: Asistente de Vampiro” comienza con una idea intrigante: examinar la relación de co-dependencia entre el vampiro y su epónimo sirviente, interpretados respectivamente por Nicolas Cage y Nicholas Hoult. Cage brinda una participación extravagante y desaforada que puede parecer un golpe de genio, y Hoult establece bien el humor de la historia en su narración introductoria acompañada por escenas icónicas de “Dracula” (Tod Browning, 1931).
Sin embargo, la trama de la película no está a la altura de lo que promete la premisa. Después de un comienzo interesante, la película se concentra en una trama policial de tediosa banalidad en la que policías y narcos se disputan el control de la ciudad, y en escenas de acción de exageradísima violencia que no parecen estar dirigidas de manera creíble o atrapante.
Además, la película parece querer darle a Renfield poderes de superhéroe, lo que no solo parece innecesario sino que también reduce el potencial del personaje. La relación entre Renfield y Drácula es el gancho principal de la película, pero lamentablemente se relega a un segundo plano en favor de una trama policial que no aporta nada al argumento.
“Renfield: Asistente de Vampiro” desaprovecha el talento de Nicolas Cage al darle poquísimo tiempo en escena y relegarlo al fondo de una trama mediocre. A pesar de la premisa intrigante y la participación extravagante de Cage, la película está hecha a base de rellenos y clichés huecos, lo que la convierte en entretenimiento descartable que solo se vende por la presencia de una estrella y la promesa traicionera de un enfoque novedoso. En los cuatro complejos.
“Evil Dead: El despertar”
“Evil Dead: El Despertar” es la quinta entrega de la icónica franquicia de terror “Evil Dead”. A pesar de no ser particularmente original, la película cumple con las expectativas de los fanáticos de la serie en términos de gore y efectos visuales.
La trama sigue a Ellie, una madre soltera que recibe la visita de su hermana Beth. Juntas, descubren un libro de los muertos y una serie de grabaciones antiguas que contienen advertencias sobre las fuerzas malignas que pueden ser desatadas. Por supuesto, la curiosidad gana y pronto se desata una carnicería sangrienta que involucra a los personajes principales.
Aunque la historia y los personajes son bastante simples, el director y guionista, Lee Cronin, logra mantener la tensión y la claustrofobia a través de la atmósfera opresiva del edificio donde se desarrolla la mayor parte de la acción. Además, los efectos visuales y el gore son impresionantes y le dan a la película un toque espectacular con un baño de sangre increíble.
Y eso (el splatter) es lo único que verdaderamente importa en Evil Dead: El despertar, ya que más allá de las referencias, citas, homenajes, guiños e ironías respecto de la historia de la saga, los personajes, conflictos y actuaciones son más bien elementales. Pero vayamos al planteo inicial, como para dar una idea de la excusa argumental: Ellie (Alyssa Sutherland), una mujer abandonada por su marido, cría a sus tres hijos: Bridget (Gabrielle Echols), Danny (Morgan Davies) y Kassie (Nell Fisher). Un día aparece sin aviso en la puerta del departamento Beth (Lily Sullivan), hermana menor de Ellie que es una experta en guitarras, muchos desprecian con el término de groupie y acaba de descubrir que está embarazada. Como podrán inferir tenemos a cuatro mujeres entre los cinco personajes principales porque -va quedando claro- son tiempos de protagonismo y empoderamiento femeninos también dentro del cine de terror. En todos los complejos de la ciudad.
“Humo sobre el agua”
El amor, la amistad, en un drama intenso que cuenta la historia de dos amigos, interpretados por Mariano Martínez y Rodrigo Guirao Díaz, que se encuentran en una difícil situación. La trama gira en torno a la lucha de estos personajes por encontrar la verdad detrás de un hecho violento que los involucra, y cómo eso afecta a sus vidas y a la de quienes los rodean.
La película tiene algunas escenas muy fuertes y emotivas, que logran capturar la atención del espectador y hacerlo sentir parte de la historia. La dirección y el elenco de actores logran por momentos transmitir la complejidad de las emociones que atraviesan los personajes.
Sin embargo, “Humo sobre el agua” no es una película fácil de ver. Aborda temas profundos y oscuros, como la violencia y la traición, y su desenlace no es predecible. Es una película que invita a la reflexión y al debate, y que puede dejar una huella en quien la vea, y fundamentalmente en la carreras de ambos protagonistas, en lo que parece un intento de regreso a los primeros planos.
Una propuesta bien realizada, con una trama interesante y actores en buen nivel. Si bien puede resultar un poco dura para algunos espectadores. El sentimiento que desde chicos han desarrollado los personajes de Martínez y Guirao Díaz se traslada a la adultez y será inocultable en determinado momento de la trama de este dramón nacional. En Cinépolis.
“Empieza el baile”
La última película de Marina Seresesky -guionista y directora de La puerta abierta y Lo nunca visto- cuenta una historia de reencuentro y reconciliación, ambientada en un recorrido en la ruta a través de Argentina. El protagonista, Carlos, interpretado por Darío Grandinetti, es un ex bailarín de tango y actor que vive en España con su esposa e hija. Después de recibir noticias del supuesto fallecimiento de su antigua pareja artística, Margarita (Marcedes Morán), Carlos regresa a su ciudad natal, Buenos Aires, donde se encuentra con que ella no solo sigue viva, sino que juntos tuvieron un hijo que nunca conoció.
A pesar de los reparos iniciales de Carlos, el trío decide emprender un viaje a través de Argentina en busca de su hijo en común, un viaje que se desarrolla en una furgoneta vieja y desvencijada que recuerda las giras que solían hacer juntos. Durante el recorrido, los personajes comparten historias, peripecias y desventuras, lo que hace que todo tenga un fuerte sentido de la nostalgia y el reencuentro.
Aunque la trama pueda parecer obvia y un poco recargada en algunos momentos, Seresesky consigue crear una road movie entretenida y emotiva, gracias a la presencia de tres excelentes actuaciones de los personajes principales. Darío Grandinetti encarna a Carlos con su conocida gran habilidad, interpretando a un cascarrabias cinico y algo amargado, que esconde sus emociones detrás de una capa de sarcasmo y distancia. Marcedes Morán, como Margarita, es suave y emotiva, lo que la hace brillar en las escenas más íntimas y personales de la película.
Jorge Marrale, como el amigo de Carlos, Pichuquito, agrega un toque de humor y ternura a la historia, al mismo tiempo que proporciona al protagonista una especie de ancla emocional en su viaje por el pasado y por el presente. Aunque en algunos momentos la película se acerca al borde del ridículo con las situaciones de costumbrismo y sentimentalismo, la ironía y el humor negro de la trama ayudan a contrarrestar esos momentos.
Si como guionista Seresesky tiene cierta tendencia al subrayado y la sensiblería, como directora se muestra no solo como una sólida narradora sino también como alguien capaz de darle a sus intérpretes el espacio y el contexto necesarios como para que expongan todo su talento y expresividad. En Del Centro, Hoyts y Showcase.
“Esquí”
El primer largometraje de Manque La Banca es Esquí, ua película que busca abordar las desigualdades sociales en la historia de Bariloche de una manera poco convencional. A través de la combinación de ficción, documental, invención y el uso de imágenes a modo de VJ, el director Manque La Banca logra crear un film experimental y difuso que alberga una fuerte crítica social y una celebración de los programas que ayudan a llevar a la gente con menos recursos de la zona a poder disfrutar del esquí. Sin embargo, también es una película que incluye su propia crítica interna y plantea la fricción que genera su propio contenido.
La trama principal es el programa de Esquí Social, que permite a los chicos de los sectores marginales disfrutar de las mismas instalaciones que usan los turistas. A través de testimonios que rompen la cuarta pared y se reconocen como armados, se comunica la idea detrás del programa de manera clara y contundente. Sin embargo, otras imágenes y situaciones son más inexpugnables, como un trío de chicos sacándose fotos medio eróticas en la nieve, la ficción de un monstruo que acecha en las montañas y ciertos juegos con folletos y archivos, lo que le da a la película una estructura de collage y un sentido de experimento que parece irse creando en vivo.
En Esquí conviven distintas formas, temas y personajes, pero su eje principal parece ser la coexistencia incómoda de las dos Bariloches: la turística llena de extranjeros y burguesías porteñas varias, y la de los habitantes del Alto y de las partes menos coquetas de la ciudad, los que viven en barrios carenciados y los que trabajan (pero raramente usufructuan) las instalaciones armadas para el goce de los visitantes. La película ofrece una mirada crítica a esta situación y a las desigualdades sociales que la generan.
Es, como dice la voz (que es de Marcela, la creadora de Esquí Social) que se escucha cerca del final de la película, una idea de cine contemporáneo que quiere evitar ser didáctico y en general lo logra. Ante cualquier duda, de todos modos, alguien pone las cosas en forma más clara y contundente. «Si no te posicionás, sos un cómplice», dice esa mujer, y habla directamente del robo de la tierra a los mapuches que luego son usados como mano de obra barata, de la muerte de Santiago Maldonado, de Patricia Bullrich, de Mauricio Macri y así. La modernidad, parece, tiene sus límites cuando se trata de tomar posición. Y quizás haga falta, aunque sea solo en un momento, llamar a las cosas por su nombre. En el Arteón.
“Mis hermanos y yo”
“Mis hermanos y yo”, dirigida y escrita por Yohan Manca, cuenta la historia de Nour, un chico de 14 años que, mientras cuida a su madre en coma y ve cómo sus hermanos intentan sobrevivir en un contexto económico hostil, descubre en la música una vía de escape a la realidad. La película fue estrenada en la sección Una Certain Regard del Festival de Cannes de 2021 y cuenta con un elenco encabezado por Maël Rouin-Berrandou, Judith Chemla, Dali Benssalah y Sofian Khammes.
La propuesta de Manca es claramente fabulesca, con una trama que se desarrolla en un ambiente donde la violencia y el maltrato conviven con la luminosidad de los paisajes. La música se convierte en el hilo conductor del relato, y es a través de ella que Nour encuentra una forma de escapar de la dura realidad que lo rodea. La película destaca por su estética cuidada y su fotografía de Marco Graziaplena, que logra capturar los paisajes de la ciudad balnearia francesa donde se desarrolla la trama de manera deslumbrante.
La interpretación de Maël Rouin-Berrandou como Nour es conmovedora y logra transmitir la fragilidad y la fuerza de un personaje que lucha por encontrar su lugar en el mundo. Judith Chemla, por su parte, encarna a Sarah, la maestra de música que guía a Nour en su proceso de descubrimiento, con gran sensibilidad y emotividad. El resto del elenco también realiza un trabajo destacable, logrando dar vida a personajes complejos y contradictorios.
La apuesta es por la sensibilidad y la emoción como herramientas para transmitir su mensaje. Una historia de iniciación que destaca por su cuidada estética y su capacidad para emocionar al espectador. Una propuesta interesante y recomendable para aquellos que buscan una película que les haga reflexionar sobre la importancia de encontrar nuestro lugar en el mundo y perseguir nuestros sueños, a pesar de las dificultades que se presenten en el camino.
Si bien su premisa coquetea con el golpe bajo, Manca elude sus flejes más crueles apostando por un optimismo a prueba de (casi) todo. A fin de cuentas, la felicidad puede llegar con la forma de unas pizzas compartidas en una terraza. En los Cines del Centro.
“Madre Teresa y yo”
Teresa y Kavita: Las vidas de dos mujeres apasionadas y de una integridad incondicional, entretejidas a través de varias generaciones. Ambas mujeres logran llevar a cabo su vocación, a pesar de sus serias dudas personales. Descubrimos una nueva dimensión de la Madre Teresa como la mujer detrás del mito. La pérdida de su fe inspira a la impetuosa Kavita, una joven inglesa de ascendencia india, a descubrir el amor y la compasión verdaderos en la Calcuta actual. En Cinépolis.
“La última pirueta”
Con el propósito de homenajear a su tío el payaso Beroldito, que murió sobre las tablas del Circo Criollo, Salomé Carpenzano recorre las vías de la memoria y reconstruye junto a protagonistas como los hermanos Videla o Beatriz Seibel, restos de una expresión olvidada. En el Arteón.
Fuente: Otros Cines, Diego Batlle, Micropsia, Diego Lerer, Ezequiel Boetti, Cinépolis, La Vanguardia.
Comentarios